艺术概述 | Art Statement
14 三月 2021

 


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作品概述

在博物馆或废墟的墙面上雕刻下纪念碑式的作品,随后等待它们消失;在纸上缓慢地绘制过剩的网络图像。出生于1984年,任瀚的成长时期伴随着中国城市化的井喷式发展和互联网在全球的迅速普及。他曾说:“我质疑人类在欲望驱使下不断建构和破坏的意义”,而他的工作正是对这个世界的一种西西弗斯神话式回应。

 

提到任瀚的创作,首先令人印象深刻的是他的一系列浅浮雕式的作品,他以使用斧头、锤子和电钻挖开墙表面的方式进行“素描”。他在不同类型的建筑空间中将来自墙外的、互联网上的风景图像转化为他的特定场域艺术(in situ)。这些白雪皑皑的山峰和荒无人烟的宇宙图像如今已司空见惯,常被用做屏幕上的墙纸,成为我们虚拟世界中的过剩物,而艺术家又将其拿来使用。它们触及了埃德蒙伯克的“崇高”的概念,也就是说,它们超越了人类对美的理解和界限,到达一种朴素的理性与自然的和谐。任瀚对后一个概念深感兴趣,他在当前的语境下提出了疑问,想要查明它在当今是否仍具有意义。

2017年他在今日美术馆创作的作品《无题(17d01)》中,他雕悍地挖开了博物馆的几堵黑墙,以便绘制日、月和山峰,为虚拟的图像建起纪念碑,亦或是为自然本身。根据艺术家的说法,这些‘损坏的’素描是一种暧昧的表达,因为它们具有介于现实与虚拟、建构与破坏,死亡与重生之间的二元性。

而他2019年在蒙鲁日沙龙上的另一件作品《4,000,000,000》则将我们瞬间带入了一个月球的区域。在由黑墙半包围的空间中呈现出一幅描绘月球和太空的全景图。源于互联网上的现成图像和关于月球的旧版画,经他的加工成为虚拟、幻想和现实相融合的结果。艺术家将“死亡”的要素在这件作品中予以进一步强调,创作前他因看到中国“嫦娥四号”探月计划获得进展的新闻而有所启发,作品上方悬挂的白旗象征着人类欲望的完结——所有人类探月史上的旗帜在到达月球后都将在紫外线的照射下褪变为白色……他的素描可被视作使用雕塑材料和方式留下的时间痕迹。凹凸的、刺穿的、剥落的和有划痕的墙面,成为艺术家素描的遗迹,唤醒观者对这一特定时空的追忆。

 

如果将任瀚的特定场域作品视作一种体力的消耗,那么他在纸上的素描作品则是一种耐力的考验。荒凉壮丽的自然地景,极简的媒材及强烈的黑白对比,艺术家的《雪山系列》乍看之下是雄伟壮美的纪念碑式(monumental)风景画。靠近观看,画面是用石墨铅笔细致的笔触堆叠而成。同样细腻的笔触也堆叠出了《镜面》系列,无数的笔触呈放射状从中心向外延伸填满了以巴洛克式镜框为灵感的边缘,灰黑的石墨质感微微发亮,反射光源。

实际上,艺术家并不去创作图像或形状,而是把现成物/图像予以复制、加工。《雪山系列》直接使用网络下载的摄影图片作为素材,按原比例绘制,最终作品的名称直接使用原图电子文件的名称。这些乱码般的电子文件名称是基于一种机械的、电子化的分配,对于人所感受的“现实”,它们是毫无意义的。艺术家越是认真的将它复制和模仿,就越凸显了这种信息时代出现的人、自然和科技之间的冲突和无奈。雪山系列对黑色背景和反光图像的使用,使画面一方面如同被搞坏了的,丢失数据的电子图片,让图像以反纪念碑式(anti-monumental)的性质呈现,但另一方面又有一种对视觉的提纯,使他的纪念碑式性质不致丢失,雪山得以神话般地存在于追念中。

绘画创作的行为本身,可以视为一种物理运动及身体劳动。然而,若是这种来回的手部活动成为了机械运动,“创作”的意义是否将有所改变?在他的《灾难风景》和《月球》系列里,艺术家将铅笔固定在电动曲线锯上作为工具,在复写纸上对现成图像有针对性的进行截取、复制、拼贴。复写纸通常是在使用打字机或原子笔时,被用来对某个原始文件进行同步的多重复制。他在对这种材料反复而单调的使用以及这种材料本身的朴素当中发现了迷人之处。月球系列中,艺术家撷取了月球的现实摄影图,还有人类对于月球的幻想图。月亮原是不可触及的崇高发光体,是地表上人类千百年的浪漫幻想对象;登月作为一种人类伟大成就的证明,虽然摧毁了神话中的人格化性质,却创造了另一种“崇高”(sublime)。

崇高与美,两者在艺术家的眼中并非二元对立,而是性质兼具。在《镜子》系列中,“光”作为任瀚作品中最为重要的元素,是神圣的象征,但借由石墨锻造的镜面,艺术家在世俗与神圣之间建起了一座桥梁(passage)。“镜面”的形状多是选择流动的、装饰性强的巴洛克式,形状和比例也和现实存在的镜子相吻合。被以重复堆砌的机械式线性笔触填满后,巴洛克镜面丢失了作为高贵物件的影像认同,同时,压缩且放射状/向心状的笔触制造出一种具有方向性的动感。仔细凝视,石墨的银灰色表面上反射了光自身,镜面的功能性与作为高贵装饰物件的影像认同同时失效,它连接且倒映出两个世界或两种状态,穿插在艺术家不同系列的作品间,成为指向性的“通道”。

 

总的来说,任瀚的创作可视为根植于后网络时代的视觉文化消费脉络中的一系列有系统的关于艺术创作、影像及视觉经验的研究。当今的技术不仅促进了知识的传播,而且也促进了信息的伪造及泛滥。因此,我们的生活被伪造、扭曲和挪用的图像所淹没。它改变了我们的视觉经验和图像意识。针对这场动荡的质疑,对于当代艺术来说势在必行。

 


 

[en]

Art Statement

 

 

Ren Han engraves monumental works on the walls of museums and ruins and then waits for them to vanish eternally. He patiently draws on paper the robotic frenzied images of the internet. Born in 1984, Ren Han’s formative years were accompanied by the spurt of urbanization in China and the global explosion of the internet. He once said, “I question the meaning of the constant construction and destruction driven by human desire.” His work is a response to this world in the style of the myth of Sisyphus.

 

When it comes to Ren Han’s work, the first thing that stands out is his series of bas-reliefs in which he “sketches” by using axes, hammers, and drills to dig through the surface of walls. In different types of architectural spaces, he transforms images of landscapes from outside the walls and on the internet into his site-specific artworks (in situ). These images of snowy peaks and the deserted universe are now mundane and often used as wallpapers on screens. They become a surplus in our virtual world that the artist puts back into use. They touch upon Edmund Burke’s idea of the “sublime”, that is, they go beyond the limits of the human understanding and boundaries of beauty to reach a simple harmony of reason and nature. Ren Han is particularly interested in the latter concept, which he questions in the context of today in order to find out whether it is still pertinent.

In his work Untitled (17d01), directed at Today Art Museum in 2017, he brutally carved up several black walls of the museum in order to paint the sun, the moon and the mountains to erect monuments to virtual images, or perhaps, to nature itself. According to the artist, these “damaged” sketches are an ambiguous expression as they translate the duality between reality and the virtual, construction and destruction, death and rebirth.

His work, ‘4,000,000,000’, at Salon de Montrouge in 2019 instantly takes us to a lunar zone. In a space semi-enclosed by black walls, Ren Han uncovers a panoramic drawing of the moon and space. Ready-made images on the internet and old engravings of the moon are transformed into a fusion of the virtual, fantasy, and reality. The artist further emphasizes the element of “death” in this piece of work, which was inspired by the news of the progress of ‘Chung’e – 4’ which is a Chinese lunar exploration program. The white flag hanging above the work represents the end of human desires–all flags in the history of human lunar exploration will fade to white under ultraviolet light when they reach the moon…… His sketches are the traces of time left behind using sculpting materials. The walls –dented, pierced, etched, and scratched– become a vestige of the artist’s sketches, evoking the viewer’s memories of this particular time and space.

 

If Ren Han’s in situ works are seen as a consummation of physical strength, his drawings on paper are a test of endurance. With the desolate and magnificent natural landscape, minimalist media and strong black and white contrasts, the artist’s Snow Mountain series appear at first glance to be a majestic and monumental landscape drawing. Upon closer inspection, the surface is stacked with fine brushstrokes of graphite pencil. The same delicate brushstrokes also gave birth to the Mirror series with countless brushstrokes radiating outward from the center to fill the edges of the baroque mirror-inspired frame. Through the gray-black graphite texture, these black and gray lines sparkle and reflect light.

In fact, the artist does not seek to create images or shapes, but rather to reproduce and transform ready-made objects/images. Snow Mountain series uses the photography downloaded directly from the internet as source material, and draws them at their original scale using the names of the original electronic files for the final works. These garbled names are based on mechanical and electronic distribution, and they are meaningless to the “reality” that one perceives. The more carefully the artist tries to reproduce and imitate it, the more it highlights the conflict and powerlessness among human, nature and technology in this information age. The use of black backgrounds and reflective images in the Snow Mountain series makes the images, on the one hand, appear like damaged and data-deficient electronic images, giving them an anti-monumental quality, and on the other hand, there is a visual purification, which paradoxically preserves this monumental nature where the snowy mountain is inscribed in a mythological memory.

The act of drawing itself can be regarded as a kind of physical movement and manual work. However, would the meaning of “creation” change if this back-and-forth movement of the hand is purely mechanical? In his Disaster Landscape and Moon series, the artist uses a pencil attached to an electric jigsaw as a tool to intercept, copy, and collage ready-made images on carbon papers in a particular manner. Carbon paper, which is a means of duplication often used with ballpoint pens or typewriters, powerfully seduced the artist with its simplicity and the monotony of its repetition. In the Moon series, the artist used realistic photographs of the moon, as well as fantasy images of the moon. The moon was originally a luminous body that is “untouchable and sublime” and an object of human romantic fantasy for centuries on the surface of the earth. The moon landing, while destroying the personified nature of the myth, created another “sublime” as a testament to the greatness of human achievement.

In the eyes of the artist, the sublime and the beauty are not necessarily incompatible and can coexist in the same image. In his Mirror series, “light”, the most important element in Ren Han’s works, symbolizes the sacred. With the graphite-forged mirrors, the artist builds a passage between the secular and the sacred. The shape of the “mirror” is mostly flowing and decorative in the Baroque style, and its proportion corresponds to the mirrors in real life. The density and repetition of these lines and their arrangement in rays make the baroque mirror lose its identity as a noble object and create an effect of movement which is sometimes centripetal and centrifugal that further disturbs the viewer’s judgment. Upon closer examination, the silvery grey surface of the graphite reflects the light itself. The functionality and the identity as noble objects of the mirror are canceled simultaneously. The mirror connects and reflects two worlds or two states of being, interspersed between the artist’s different series of works, acting as a directional “passage”.

 

In general, Ren Han’s work can be regarded as a series of systematic researches on artistic creation, image and visual experience, which are deeply rooted in the context of visual cultural consumption in the post-network era. Today’s technology has not only facilitated the dissemination of knowledge, but also the falsification and proliferation of information. As a result, our lives are flooded with falsified, distorted and devious images. It has changed our visual experience and our awareness of images. Questioning this upheaval now seems imperative for the world of contemporary art.

 


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Démarche artistique

 

 

Dans le cadre de son travail, Ren Han grave des œuvres monumentales sur les murs de musées et de ruines, qui ensuite se fondent éternellement. Il dessine patiemment sur papier les frénésies robotiques d’images d’internet. Né en 1984 en Chine, en pleine sur-urbanisation et explosion d’internet dans le monde, il s’interroge “sur le sens du désir de l’être humain à construire et déconstruire sans répit”. Son travail est une réponse conceptuelle au mythe de Sisyphe.

 

L’oeuvre majeure de Ren Han est une série de bas-reliefs sculptés à l’aide de haches, de marteaux et de perceuses, creusant le mur vers une oeuvre picturale. Il travaille à travers différents types d’espaces architecturaux où il interprète in situ, à même le mur, des publicités de paysages glanées au fil de sa navigation de cyberculture. Ces images de montagnes enneigées aujourd’hui banales, souvent utilisées pour les fonds d’écran, sont souvent surexploitées dans le monde virtuel. Il n’en demeure pas moins que lorsque l’artiste les utilise, elles touchent au «sublime» au sens burkien du terme, c’est à-dire dépassant les frontières de l’entendement humain et du beau, simple harmonie de la nature. Ren Han s’intéresse alors particulièrement à la pertinence de cette notion de “sublime”.

Pour “Untitled (17d01)” (2017), réalisé au Today Art Museum, il avait creusé les murs noirs du musée d’une manière majestueuse pour dessiner le soleil, la lune et les montagnes, tel un monument aux images virtuelles et à la nature elle-même. Selon l’artiste, ces esquisses « abîmées » sont une expression ambiguë car elles traduisent une dualité entre réalité et virtualité, construction et destruction, mort et renaissance.

L’oeuvre “4,000,000,000”, installée au Salon de Montrouge 2019, immerge d’emblée le visiteur dans une zone lunaire. Dans un espace aux murs noirs, le dessin révèle une vue panoramique de la lune et du cosmos. A partir d’images trouvées sur internet et de gravures anciennes, ses dessins représentent une fusion entre virtuel, fantasme et réalité, considérant la mort comme élément fondamental de la nature. L’artiste s’est notamment inspiré de “Chang’e 4”, le programme d’exploration lunaire chinois. Le drapeau blanc représente ici la fin des désirs humains, à l’image des drapeaux des explorations spatiales qui se décolorent en blanc sous l’irradiation des rayons ultraviolets lorsqu’ils ont atteints la lune. Ses dessins sont les traces des différentes temporalités liées à l’action de sculpter la matière. Accidenté, troué, décapé, strié, le mur devient ainsi un vestige des dessins de l’artiste. Naissent alors les réminiscences de ce temps.

 

Si les oeuvres in situ de Ren Han sont considérées comme une consommation de force physique, ses dessins sur papier sont une épreuve d’endurance. Une vue somptueuse et dépouillée de la terre, une technique minimaliste et un contraste éclatant entre le noir et le blanc. À première vue, les séries “Montagnes en neige” de l’artiste, ont l’air de paysages grandioses, mais en examinant de plus près, on s’aperçoit que l’image a été obtenue par l’accumulation de petits traits de crayon graphite. Cette accumulation a également donné naissance à la série “Miroir”. Les œuvres sont composées chacune d’innombrables traits de crayon qui semblent jaillir d’un même centre. Ces traits se répandent jusqu’à remplir totalement l’espace à l’intérieur du contour qui est, lui, inspiré de miroirs de style baroque. Par leur matière, le graphite, ces traits noirs et gris scintillent et réfléchissent la lumière.

En effet, l’artiste ne cherche pas à créer l’image ou la forme. Il se contente de reproduire et transformer des images ready-made. Ses Montagnes enneigées ont été dessinées d’après des photos trouvées sur internet, respectant leur échelle originelle. Les titres des œuvres utilisent directement le nom des fichiers électroniques originaux. Ces noms sont basés sur une distribution mécanique et électronique. Ils n’ont aucun sens réel. Plus l’artiste le reproduit et l’imite, plus il met en évidence le conflit et l’impuissance de l’homme face à la nature et à la technologie de l’ère de l’information. L’utilisation de fonds noirs et d’images réfléchissantes dans la série “Montagnes en neige” fait que, d’une part, ces dessins sont comme des images électroniques abimées, présentant une image anti-monumentale, et d’autre part comme une purification visuelle, qui paradoxalement conserve cette nature monumentale et où la Montagne enneigée s’inscrit dans une mémoire mythologique.

L’acte de dessiner est en lui-même une suite de mouvements physiques et un travail manuel. Si ces gestes de la main deviennent mécaniques, la «création» changera-t-elle de sens? Pour créer ses paysages de catastrophes et ses lunes, l’artiste a procédé à une suite d’opérations mécaniques sur des images ready-made. Découpage, copie, collage et assemblage, il a ensuite reproduit sur des feuilles de papier carbone les images ainsi composées avec un crayon fixé sur une scie sauteuse électrique. Ce papier, qui est un moyen de duplication souvent utilisé avec un stylo ou une machine à écrire, a puissamment séduit l’artiste par sa simplicité et la monotonie de sa répétition. Dans la série “Lune”, l’artiste a utilisé des photographies réalistes et fantaisistes de la lune. Celle-ci était à l’origine un “illuminant sublime intouchable”, un objet fantastique romantique pour l’homme pendant des milliers d’années. Bien qu’elle ait détruit la personnalité du mythe, l’alunissage, preuve des grandes réalisations humaines, a créé une autre forme de “sublime”.

Le sublime et le beau, deux qualités aux yeux de l’artiste, ne sont pas forcément incompatibles et peuvent coexister dans une même image. Dans ses surfaces de “Miroir”, la lumière joue un rôle central et symbolise le sacré. Le contour, le format et la taille de ces surfaces suggèrent qu’il s’agit de miroirs de style baroque aux formes ondoyantes et richement décorées, donc d’objets nobles. La densité de ces traits et leur disposition en rayons, créent un effet de mouvement tantôt centripète tantôt centrifuge et trouble encore plus le jugement du spectateur. Au moment où celui-ci s’aperçoit simultanément du noir argenté réfléchissant du graphite et du miroir baroque, l’objet noble qu’il a reconnu au premier coup d’œil s’abolit. Avec l’accumulation machinale des traits de crayon graphite, l’artiste a ouvert un passage entre le sacré et le profane. Cette technique a permis de refléter à travers une même image deux mondes, deux physionomies. Elle est présente dans les différentes séries de création de l’artiste et révélatrice de son évolution.

 

En général, les œuvres de Ren Han peuvent être considérées comme série d’études systématiques sur la création artistique, l’image et l’expérience visuelle ancrée dans le contexte de consommation de la culture visuelle à l’ère post-réseau. La technologie d’aujourd’hui favorise non seulement la diffusion des connaissances, mais aussi la falsification et la prolifération de l’information. Par conséquent, nos vies sont submergées d’images falsifiées, déformées et détournées. Cela a bouleversé notre expérience visuelle et le conscience de l’image. S’interroger sur / Remettre en question ce bouleversement semble désormais impératif pour le monde de l’art contemporain.